Mit "So Far" setzte die Krautrock-Legende Faust 1972 ihre radikale Klangforschung fort. Nach dem experimentellen Debüt zeigt sich die Band hier strukturierter - aber nicht weniger subversiv. Die Songs wirken zugänglicher, doch unter der Oberfläche brodelt weiterhin Fausts anarchischer Geist.

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Mit "Faust IV" veröffentlichte die Krautrock-Formation 1973 ihr zugänglichstes und zugleich widersprüchlichstes Werk. Nach zwei radikal experimentellen Alben und dem surrealen "Faust Tapes"-Sampler wagte die Band den Schritt ins professionelle Studio - und blieb dennoch ihrem anarchischen Geist treu. Entstanden in Virgin Records" "The Manor"-Studio, kombiniert das Album neue Aufnahmen mit Fragmenten früherer Sessions. Der Opener "Krautrock" parodiert den Genrebegriff mit hypnotischem Motorik-Groove und klanglicher Raffinesse. "The Sad Skinhead" überrascht mit Reggae-Anklängen und ironischen Texten, während "Jennifer" als frühes Dream-Pop-Vorbild gilt - schön und verstörend zugleich. Die zweite Albumhälfte zeigt Faust in freier Form: Elektronische Experimente, jazzige Improvisationen und dadaistische Klangcollagen wechseln sich ab. Der Abschluss "It"s A Bit Of A Pain" vereint akustische Melancholie mit elektronischer Störung - ein Sinnbild für Fausts kreative Widersprüche. "Faust IV" ist ein vielschichtiges Dokument einer Band, die sich nie festlegen ließ.

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Mit Faust erschien 1971 eines der kompromisslosesten Debütalben der Musikgeschichte - ein Werk, das bis heute als Grundstein des Krautrock gilt. Jetzt wird dieses legendäre Album von Bureau B neu aufgelegt - roh, radikal und visionär wie eh und je. Was als Suche nach einer deutschen Antwort auf die Beatles begann, wurde zu einem anarchischen Klangexperiment: In einem umgebauten Schulhaus in Wümme lebte und arbeitete die Band wie in einer Kommune - mit selbstgebautem Studio, völliger kreativer Freiheit und einem Hang zum Kontrollverlust. Das Ergebnis: ein Album, das mit Tape-Loops, Improvisation, Dada-Collagen und Noise-Elementen die Rockmusik dekonstruiert und neu zusammensetzt. Tracks wie "Why Don"t You Eat Carrots" oder "Miss Fortune" sind keine Songs im klassischen Sinn, sondern klanggewordene Manifeste - roh, verspielt, politisch, poetisch. Faust ist ein Meilenstein für Fans von Avantgarde, Post-Rock, Industrial und experimenteller Elektronik - und ein faszinierendes Zeitdokument aus einer Ära des musikalischen Aufbruchs.

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Originally part of 2021"s Faust Box Set release commemorating the bands 50th anniversary Momentaufnahme I and II are now set for their own stand alone release by popular demand. This is for all those that missed out on the limited edition box set release. They collect together music recorded at the band"s studio - a converted schoolhouse in rural Wümme between 1971 and 1974 in a similar vein to the way in which "The Faust Tapes" (released in 1973) was assembled. These two albums range from minimal electronic pulses, ambient dreamscapes, vocal collages to heavy drone, ritualistic percussion and psychedelic grooves. Highlights include the hypnotic space jams of "Vorsatz" and "Rückwärts Durch Die Drehtür", the delicate acoustics of "I Am... An Artist" and the radiophonic workship-esq "Weird Sounds Sound Bizarre".

TRACKLISTING: 01. DANACH 02. GEGENSPRECHANLAGE 03. LAMPE AN, TÜR ZU, LEUTE REIN! 04. PURZELBAUM MIT ANSCHUBSEN 05. TêTE-à-TêTE IM SCHREDDER 06. DAMPF 07. TESTBILDHAUER 08. I AM... AN ARTIST 09. WIR WOLLEN MEHR VOLUMEN KRIEGEN 10. AR

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Originally part of 2021"s Faust Box Set release commemorating the bands 50th anniversary Momentaufnahme I and II are now set for their own stand alone release by popular demand. This is for all those that missed out on the limited edition box set release. They collect together music recorded at the band"s studio - a converted schoolhouse in rural Wümme between 1971 and 1974 in a similar vein to the way in which "The Faust Tapes" (released in 1973) was assembled. These two albums range from minimal electronic pulses, ambient dreamscapes, vocal collages to heavy drone, ritualistic percussion and psychedelic grooves. Highlights include the hypnotic space jams of "Vorsatz" and "Rückwärts Durch Die Drehtür", the delicate acoustics of "I Am... An Artist" and the radiophonic workship-esq "Weird Sounds Sound Bizarre".

TRACKLISTING: 01. NAJA 02. FLAFLAS 03. ES IST WIEDER DA 04. MECHANIKA 05. WEIRD SOUNDS SOUND BIZARRE 06. KAROTTEN 07. RÉMAJ 08. FIN DE FACE 09. VORSATZ 10. ACOUPHèNES 11. INTERLUDE 12. DADALIBAL 13. BONNE SOUPE AU FROMAGE 14. RÜCKWÄRTS DURCH DIE DREHTÜR 15. JUNI

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Tracklist
1.1Morning Land
1.2Crapolino
1.3Knochentanz
1.4Fernlicht
1.5Juggernaut
1.6Schön Rund
1.7Prends Ton Temps

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Mit "Faust IV" veröffentlichte die Krautrock-Formation 1973 ihr zugänglichstes und zugleich widersprüchlichstes Werk. Nach zwei radikal experimentellen Alben und dem surrealen "Faust Tapes"-Sampler wagte die Band den Schritt ins professionelle Studio - und blieb dennoch ihrem anarchischen Geist treu. Entstanden in Virgin Records" "The Manor"-Studio, kombiniert das Album neue Aufnahmen mit Fragmenten früherer Sessions. Der Opener "Krautrock" parodiert den Genrebegriff mit hypnotischem Motorik-Groove und klanglicher Raffinesse. "The Sad Skinhead" überrascht mit Reggae-Anklängen und ironischen Texten, während "Jennifer" als frühes Dream-Pop-Vorbild gilt - schön und verstörend zugleich. Die zweite Albumhälfte zeigt Faust in freier Form: Elektronische Experimente, jazzige Improvisationen und dadaistische Klangcollagen wechseln sich ab. Der Abschluss "It"s A Bit Of A Pain" vereint akustische Melancholie mit elektronischer Störung - ein Sinnbild für Fausts kreative Widersprüche. "Faust IV" ist ein vielschichtiges Dokument einer Band, die sich nie festlegen ließ.

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Mit "So Far" setzte die Krautrock-Legende Faust 1972 ihre radikale Klangforschung fort. Nach dem experimentellen Debüt zeigt sich die Band hier strukturierter - aber nicht weniger subversiv. Die Songs wirken zugänglicher, doch unter der Oberfläche brodelt weiterhin Fausts anarchischer Geist.

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Mit Selenites, Selenites! präsentiert Jimi Tenor das erste Album seiner neuen Band - ein Meilenstein in der Karriere des finnischen Multiinstrumentalisten, der 2025 seinen 60. Geburtstag feierte. Tenor, bekannt für seine genreübergreifenden Visionen, vereint hier Afrobeat, Electronica, Spiritual Jazz und experimentelle Klangwelten zu einem kraftvollen, organischen Sound. Seit den 1990er Jahren prägt Tenor die internationale Musikszene mit Veröffentlichungen auf Labels wie Sähko und Warp Records. Seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Tony Allen, dem UMO Helsinki Jazz Orchestra und Florence Adooni zeigt seine Offenheit für musikalische Kulturen und seine Fähigkeit, scheinbar Gegensätzliches zu verbinden. Die JIMI TENOR BAND entstand in Helsinki und besteht aus fünf virtuosen Musiker:innen, die ihre Stücke live erprobt und verinnerlicht haben. Die Aufnahmen spiegeln diese Energie wider: Direkt, roh und voller Spielfreude. Die Songs wirken wie Live-Mitschnitte - spontan, intensiv und nahbar. Mit Selenites, Selenites! gelingt Tenor ein Album, das nicht nur musikalisch überzeugt, sondern auch seine Rolle als stilprägender Künstler unterstreicht.

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Mit Communication veröffentlicht Karl Bartos sein visionäres Soloalbum aus dem Jahr 2003 erneut - und trifft damit den Nerv der Zeit. Als prägendes Mitglied von Kraftwerk war Bartos maßgeblich an Klassikern wie "The Model", "The Robots" und "Numbers" beteiligt. Nach seinem Ausstieg 1990 setzte er mit Communication seine musikalische Reise fort - nun mit einem kritischen Blick auf die digitale Medienwelt. Das Album ist eine klanglich präzise und inhaltlich scharfsinnige Auseinandersetzung mit Themen wie Bildüberflutung, Identitätskonstruktion und der Fragmentierung von Realität. Was damals wie ein Blick in die Zukunft wirkte, ist heute aktueller denn je: Smartphones, soziale Medien und algorithmische Manipulation bestimmen unseren Alltag. Bartos gelingt es, elektronische Popmusik mit gesellschaftlicher Reflexion zu verbinden - ein seltenes Zusammenspiel von Klangfreude und Medienkritik. Die Neuauflage auf Bureau B ist keine nostalgische Rückschau, sondern ein Statement zur Gegenwart. "Wir leben in einer Zeit massiver Verhaltensmanipulation", sagt Bartos. "Kybernetik, künstliche Intelligenz - das ist eine große Herausforderung für die Menschheit."

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Mit Faust erschien 1971 eines der kompromisslosesten Debütalben der Musikgeschichte - ein Werk, das bis heute als Grundstein des Krautrock gilt. Jetzt wird dieses legendäre Album von Bureau B neu aufgelegt - roh, radikal und visionär wie eh und je. Was als Suche nach einer deutschen Antwort auf die Beatles begann, wurde zu einem anarchischen Klangexperiment: In einem umgebauten Schulhaus in Wümme lebte und arbeitete die Band wie in einer Kommune - mit selbstgebautem Studio, völliger kreativer Freiheit und einem Hang zum Kontrollverlust. Das Ergebnis: ein Album, das mit Tape-Loops, Improvisation, Dada-Collagen und Noise-Elementen die Rockmusik dekonstruiert und neu zusammensetzt. Tracks wie "Why Don"t You Eat Carrots" oder "Miss Fortune" sind keine Songs im klassischen Sinn, sondern klanggewordene Manifeste - roh, verspielt, politisch, poetisch. Faust ist ein Meilenstein für Fans von Avantgarde, Post-Rock, Industrial und experimenteller Elektronik - und ein faszinierendes Zeitdokument aus einer Ära des musikalischen Aufbruchs.

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Nach ihrem gefeierten Comeback-Album im Oktober 2024 melden sich Propaganda mit einem elektrisierenden Remix-Album zurück: Remix Encounters - eine klanggewaltige Hommage an ihr eigenes Werk, neu interpretiert von internationalen Größen wie Moby, Tangerine Dream, Rhys Fulber, Schiller und vielen mehr. Veröffentlicht auf Bureau B, vereint dieses Album die kreative Energie einer neuen Generation mit der visionären Kraft von Propaganda. Was als einzelne Remix-Anfrage begann, entwickelte sich zu einem globalen Projekt - von Düsseldorf über Helsinki bis Los Angeles. Jeder Track ist ein eigenständiges Kunstwerk, das elektronische Subgenres wie EBM, Ambient, House, Industrial und Rave aufgreift und neu verbindet. Remix Encounters ist mehr als ein Remix-Album - es ist ein Statement. Eine Feier der Transformation, der künstlerischen Freiheit und der ungebrochenen Relevanz einer Band, die seit ihrem Debüt A Secret Wish 1985 elektronische Musikgeschichte schreibt.


Tracklist:

1.1Purveyor Of Pleasure (Moby Remix)
1.2Distant (Schiller Remix)
1.3Dystopian (Steingen & Mertens Remix)
1.4They Call Me Nocebo (Rhys Fulber Remix)
1.5They Call Me Nocebo (Metroland Remix)
1.6They Call Me Nocebo (Tangerine Dream Remix)
2.1Tipping Point (Jori Hulkkonnen Remix)
2.2Love:Craft (Cult With No Name Remix)
2.3Vicious Circle (Jimi Tenor Remix)
2.4Distant (Gewalt Remix)
2.5Love:Craft (Pyrolator Remix)
2.6Vicious Circle (Thunder Bae Remix)

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Black Vinyl!

Nach ihrem gefeierten Comeback-Album im Oktober 2024 melden sich Propaganda mit einem elektrisierenden Remix-Album zurück: Remix Encounters - eine klanggewaltige Hommage an ihr eigenes Werk, neu interpretiert von internationalen Größen wie Moby, Tangerine Dream, Rhys Fulber, Schiller und vielen mehr. Veröffentlicht auf Bureau B, vereint dieses Album die kreative Energie einer neuen Generation mit der visionären Kraft von Propaganda. Was als einzelne Remix-Anfrage begann, entwickelte sich zu einem globalen Projekt - von Düsseldorf über Helsinki bis Los Angeles. Jeder Track ist ein eigenständiges Kunstwerk, das elektronische Subgenres wie EBM, Ambient, House, Industrial und Rave aufgreift und neu verbindet. Remix Encounters ist mehr als ein Remix-Album - es ist ein Statement. Eine Feier der Transformation, der künstlerischen Freiheit und der ungebrochenen Relevanz einer Band, die seit ihrem Debüt A Secret Wish 1985 elektronische Musikgeschichte schreibt.


Tracklist:

1.1Purveyor Of Pleasure (Moby Remix)
1.2Distant (Schiller Remix)
1.3Dystopian (Steingen & Mertens Remix)
1.4They Call Me Nocebo (Rhys Fulber Remix)
1.5They Call Me Nocebo (Metroland Remix)
1.6They Call Me Nocebo (Tangerine Dream Remix)
2.1Tipping Point (Jori Hulkkonnen Remix)
2.2Love:Craft (Cult With No Name Remix)
2.3Vicious Circle (Jimi Tenor Remix)
2.4Distant (Gewalt Remix)
2.5Love:Craft (Pyrolator Remix)
2.6Vicious Circle (Thunder Bae Remix)

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On their last trip to Silberland, Bureau B hurtled along the chrome highways and glass skyways of the kosmische landscape, powered ever onwards in perpetual motorik motion. This time, however, the Hamburg imprint opt for an unhurried itinerary, coasting far beyond the familiar rhythmic terrain to explore crystal caverns and emerald pastures, immersing listeners in the ambient side of this alternative Allemagne. Building on the tape loops, tone poems, and minimalist compositions of the 60"s avant-garde, these musicians utilised the sweeping scope of the synthesiser to create expansive meditations on outer-planetary escapism, human connection, and the natural world. This compilation offers a survey of this singular era, blending pioneering voices with lesser-known artists for an immersive sonic experience.

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Preview: https://www.youtube.com/watch?v=7nXSR2fzBvE

Im Schatten der nuklearen Katastrophe von Fukushima im Jahr 2011 fanden sich die japanische Musikerin Phew, die Künstlerin Erika Kobayashi und der deutsche Elektronik-Pionier Dieter Moebius (Cluster, Harmonia) zu einem außergewöhnlichen Projekt zusammen. Gemeinsam entwickelten sie das Konzeptalbum "Radium Girls 2011", das sie 2012 unter dem Projektnamen Project UNDARK veröffentlichten - 114 Jahre nach der Entdeckung des Radiums durch Marie und Pierre Curie. Das Album ist den sogenannten Radium Girls gewidmet, Fabrikarbeiterinnen in den USA der 1920er Jahre, die Ziffernblätter mit radioaktiver Leuchtfarbe bemalten und schwere gesundheitliche Schäden durch Radiumvergiftungen erlitten. Anlässlich des 80. Jahrestags der Atombombenabwürfe auf Hiroshima und Nagasaki macht das Label Bureau B "Radium Girls" wieder zugänglich - erstmals auch auf Vinyl.

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Nach mehr als 40 Jahren ist die 1983 auf Sky Records erschienene EP "Ich suche dein Gesicht" von Silberstreif wieder erhältlich. Für den Sky-Katalog eher ungewöhnlich, spielte das Duo lupenreinen Synthie-Pop mit deutschsprachigen Texten. Diese EP ging in der Flut der hyperkommerziellen deutschen New-Wave-Veröffentlichungen der 1980er Jahre unter. Später wurde die Band zum Geheimtipp und die EP zu einem begehrten Sammlerstück. Die Wiederveröffentlichung wird von vier bisher unveröffentlichten Bonustracks begleitet.

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Die kosmischen Treuhänder von Bureau B heißen den legendären Synth-Maestro Peter Baumann willkommen zurück. Dieser stellt 2025 sein erstes Solo-Album seit dem Vorgänger "Machines Of Desire" (2016) vor. Als prägende Kraft in der sogenannten Berliner Schule - sowohl als Mitglied von Tangerine Dream in ihrer wichtigsten Ära als auch als Solokünstler - hat Baumann immer eine Brücke zwischen dem Intellektuellen und dem Filmischen geschlagen. Mit "Nightfall" begibt er sich auf eine weitere Klangreise und erschafft eine atmosphärische Platte, die von Geheimnissen und bewegenden Geschichten durchdrungen ist.

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Tracklist:

1.1No One Knows
1.2Lost In A Pale Blue Sky
1.3On The Long Road
1.4A World Apart
1.5From A Far Land
1.6Sailing Past Midnight
1.7I'm Sitting Here, Just For A While
1.8Nightfall

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Collector, seeker and storyteller Charles Bals brings his curatorial finesse to Hamburg"s Bureau B with "Ambientale", a journey into otherworldly sounds from the years 1983 - 2000. Drifting effortlessly between digital exoticism, mellow fusion, new age groove and library electronics, the pieces range from largely obscure to utterly un-google-able, and coalesce into a stunning soundtrack to tranquil seas, desert sand and starlit skies. Cinematic & enigmatic, "Ambientale" is a stranger you"ve only just met but can"t stop thinking about.

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If you're already aware of Rüdiger Lorenz, chances are you washed ashore on 'Southland', his cult kosmische curio graciously reissued by the ever-benevolent Bureau B in the middle of the last decade. Either that, or you're one of the few hundred electronic music obsessives who encountered his work the first time round, giddily grabbing up the eighteen cassette, vinyl and CD releases the prolific part-timer delivered DIY style on his Syntape and Syncord imprints between 1981-1998. I say this because despite a catalogue both copious and singular, and a renewed interest amongst the switched on and tuned in since his premature passing in 2000, Rüdiger's reception has remained sadly subterranean - another example of audio inequity. As such, it falls to 'Synrise', attentively assembled by Rüdiger's son Tim, to shine some rightful light on this unique talent.

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Die Chronologie von Schnitzlers Solo-Veröffentlichungen in den 70er und vor allem in den 80er Jahren gleicht einem Buch mit sieben Siegeln. In zeitweise sehr kurzen Abständen brachte Schnitzler seine Musik teils auf analogen Kassetten, teils auf LPs heraus, nicht selten als "private releases", das heißt in eigener Regie und ohne Hilfe eines Labels oder professioneller Vertriebe. Das gelbe Album beispielsweise erschien 1981 als LP auf dem Label der Kunstgalerie von René Block in Berlin, nachdem Schnitzler bereits eine Reihe anderer Tonträger auf diversen Labels herausgebracht hatte. Tatsächlich ist die Musik des gelben Albums aber bereits 1974 als "The Black Cassette" in wahrscheinlich sehr geringer Stückzahl von Schnitzler selbst vertrieben worden. Das gelbe Album hat den Untertitel "12 Stücke aus dem Jahr 1974". Schon das deutet auf etwas Neues hin, denn bis dahin gingen Schnitzlers Stücke grundsätzlich über die ganze Platten- bzw. Kassettenseite. Hier versucht er sich nun erstmals an einer kürzeren Form. Außerdem neu: Schnitzler lässt auf mehreren Stücken nicht mehr nur automatische Klangprozesse ablaufen, sondern benutzt seine Keyboards offensichtlich auch, um "mit der Hand" gespielte melodie- ähnliche Improvisationen in seinen musikalischen Kosmos zu integrieren. Die eigentlich so kristalline, anorganische Kunstwelt Schnitz- lers wird damit um ein organisches, fast menschliches Element berei- chert. Durch die Musik des gelben Albums weht ein durchaus laues, freundliches Lüftchen, zum Glück meilenweit entfernt von den senti- mentalen Plattitüden der gebrauchsfertigen Ambient-Musik der 80er. Das gelbe Album ist nicht nur durch und durch freundlich, sondern es dokumentiert auch einen wichtigen Schritt in Schnitzlers musikalischer Entwicklung. Das späte Erscheinen als LP (1981) und die fehlenden diskografischen Angaben ließen diesen Gesichtspunkt etwas in den Hintergrund rücken. Aufmerksamen Hörern und Schnitzler-Kennern war jedoch sofort klar, dass das Album eine besondere Wegmarke darstellte, die einen deutlichen Weg in die Zukunft wies. Schnitzler hatte begonnen, sich aus dem Korsett der orthodoxen Konzeptkunst zu befreien, um in lichte Weiten unentdeckter musikalischer Gebiete vorzustoßen.

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Limited edition repress on bone vinyl of cult-favorite Captured Tracks release, including bonus flexidisc featuring a rare cover of Free's "All Right Now". SAADA BONAIRE. The fantastic German disco/world music project from Bremen which never was meant to be. Formed by Bremen DJ Ralf Behrendt in 1982, SAADA BONAIRE was a unique concept band centered around two sultry female vocalists (Stefanie Lange and Claudia Hossfeld) and dozens of local musicians culled from the local immigration center. Originally signed to EMI in 1982, their first and only single, "You Could Be More As You Are" was produced by legendary MATUMBI, SLITS and POP GROUP producer Dennis Bovell in KRAFTWERK's studio in Cologne. Its fusion of husky female vocals, Eastern instruments, dub and African music aesthetics, drum computers and synthesizers remains unique to this day. EMI cancelled the project upon its release. SAADA BONAIRE compiles two songs from the original EMI single plus eleven previously unreleased songs recorded between 1982 and 1985. Also included are never before published photos and in depth interviews with band members and a full gate fold cover for those dedicated vinyl buyers. SAADA BONAIRE. A bizarre mix of KRAFTWERK, GRACE JONES, and MARLENE DIETRICH. These lost recordings from the early eighties still sound fresh on today's dance floor.


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Repress!

If Surround can be listened to as music that’s as close to air itself, allowing us to enter each listener’s sound scenery, or as something that exists within a new perspective, expanding the middle ground between sound and music, and transforming it into a comfortable space, it would be much appreciated.
— Hiroshi Yoshimura

Originally released as an album in January 1986, Surround was recorded by Yoshimura as a commission from home builder Misawa Homes, intended to function as an “amenity” designed to enhance the company’s newly built living spaces.

In his original notes for the album, Yoshimura recommends that Surround be placed in the same family of sounds “as the vibration of footsteps, the hum of an air conditioner, or the clanging of a spoon inside a coffee cup.” And, as he suggests, “with the addition of city noise from outside the window,” you may hear Surround in a completely new way.

A pioneer in the field of environmental music, Yoshimura’s previous works included Music For Nine Post Cards (1982), originally produced to be played back inside a museum space, and designing sound environments for public spaces and subway systems. Surround was recorded almost concurrently with the acclaimed and popular GREEN (1986); the two albums are described by Hiroyoshi Shiokawa in his liner notes as being Yoshimura’s yin and yang.

* First-ever official reissue of the pioneering 1986 ambient work
* Produced in full cooperation with Hiroshi Yoshimura’s estate
* New liner notes by original album producer Hiroyoshi Shiokawa
* Includes Yoshimura’s original notes in Japanese & English
* Remastering and lacquer cutting by John Baldwin
* Vinyl pressed at Gotta Groove Records


Original credits:

COMPOSED & PERFORMED Hiroshi Yoshimura
RECORDED Hiroo 806 Studio, Kojima Recording Studio
RECORDING ENGINEER Yukio Kojima
DESIGN Toshikazu Ota
PHOTO Yoichi Nagata
PRODUCTION Misawa Homes Institute of Research and Development

Reissue credits:

REISSUE PRODUCERS Yosuke Kitazawa & Patrick McCarthy
REMASTERING & LACQUERING John Baldwin
VINYL PRESSING Gotta Groove Records
REISSUE DESIGN & LAYOUT Ella Gold
ARTWORK SCANNING Satomi Sugiyama
RETOUCHING Ward Long
REISSUE LINER NOTES Hiroyoshi Shiokawa
TRANSLATION Yosuke Kitazawa
SPECIAL THANKS Yoko Yoshimura

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Listen: https://open.spotify.com/track/2fyRe9awXSRw7hF8Hbe1HN?si=3aee5ef70fb54d87

• The Funk & Soul Sessions was recorded live at the iconic Abbey Road Studios. Originally recorded exclusively for Abbey Road Masters label as two library albums exclusively for TV and Film, the label decided to press just 250 copies for fans and collectors.

* Speedometer also celebrate their 25th anniversary and so this limited edition LP showcases their classic soul sound on side A featuring the powerhouse vocals of SheZar and Angelo Starr. On B side Speedometer deliver their signature sound of hard hitting heavy funk played live as an 8 piece band


* Tracklisting:

Side A The Soul Sessions
A1 100 percent feat. Angelo Starr
A2 All We Strive For feat. SheZar
A3 Make Me Feel Fine feat. SheZar
A4 Don’t Tell Me feat. Angelo Starr
A5 Crossroads feat. SheZar
A6 Take Me As I Am feat. SheZar
A7 Like You & Me feat. SheZar & Angelo Starr
A8 No Man Worries feat. SheZar

Side B The Funk Sessions

B1 Funky Dynamo
B2 Express Train
B3 Kick That Hustle
B4 Cookie Dough
B5 Heavy Rotator
B6 Minor Mirage
B7 Backstreet Boogie
B8 Sunset Strut
B9 The Big Man

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Sakura Droplet Vinyl!

Cherry Blossom Baby, Shigeto's first full-length statement since 2017, sprouts out from a collective thaw, ambitious, collaborative, and fully realized. The Detroit-based, Japanese-American musician, DJ, Portage Garage Sounds label co-founder, and longtime Ghostly International artist embraces the role of producer and composer. Bold and cultivated with intention, the band-built sound honors traditions in electronic, jazz, R&B, and hip-hop, a fusion that's become his signature, now more vibrant than ever. Zach Saginaw and a group of guests and players present a snapshot in time, a celebration of self-love and an expression of vitality distinctly rooted in Detroit and informed by his family’s cultural history. "I am a cherry blossom baby," he says. "We all are cherry blossom babies, we all are resilient, we all are growing, we all will continue to."

Heritage has been at the heart of Saginaw's recording project from the start; his middle name is Shigeto, a name passed down from his great grandfather, which means "to grow" — it was apt given his premature birth weight of less than a pound, and remains fitting for the evolution of his artistry, now nearly 15 years since he signed to Ghostly. On Lineage (GI-148, 2012), Saginaw grappled with an ancestral story; the artwork contrasted photos taken of his great-grandfather's home in Hiroshima in 1916 and later at the Amache Internment Camp in Grenada, Colorado, where he and his family were sent during the Second World War. The line continues through Cherry Blossom Baby, which finds Saginaw drawing inspiration from the cherry trees that bloom every spring at Hiroshima, an enduring image of hope, resilience, and renewal.

Saginaw's been searching, a simmering introspection that surfaced in recent years as nightlife paused and he began to question the idea of Shigeto, the performer and Michigan fixture. "My identity is always something I've struggled with, not being really considered Japanese, not being considered white. I think Shigeto was a way for me to have this identity, to create one for myself that I can latch onto, and it suddenly didn't exist anymore." The realization pushed him to work on himself, to come back to his craft and his community, laying the groundwork for a record that rises from the figurative ashes anew.

A reaffirmed sense of self, momentum, and maturation is apparent in where Saginaw situates here as a songwriter and producer arranging ideas alongside Detroit's finest, a physical manifestation of his WDET 101.9FM show highlighting “forward-thinking music from the Detroit Diaspora.” Every track is a collaboration, be it with a vocalist or multiple instrumentalists, a tradition forged in his Portage Garage studio sessions. "It's the first time I'm writing this stuff myself and getting these players to make it even better…it's impossible to have made it at this level without them." The production and mix favor a full, throwback quality, eschewing modern compression for more spacious dynamics, a nod to psych and jazz records of the '70s and '80s. "It was on purpose but also subconsciously, playing live with jazz bands and DJing b2b with mentors like Dez Andrés, playing older sounds over the last decade. Sonically I wanted to make this record feel like you could see multiple people in a studio."

The group puts egos aside to pursue the best possible outcomes, like Saginaw's choice to invite drummer Ian Maciak (Machinedrum) for the early standout "Ready. Set. Flex,” which takes off with drum & bass velocity. "Ian's sound is unmatched, I can't play jungle breaks like Ian and I thought, how cool would it be if I could get another drummer to play that track?" Above the breaks and a rolling piano loop, there's Zelooperz, the ascendant rapper and Bruiser Brigade member (as well as Shigeto's partner in 2017 project ZGTO), rattling off a series of cerebral lines, with upright bass from Josef Deas (a Portage Garage alum) and Saginaw's synth flourishes.

"The Punch" dips into an electro-boogie vibe; it's a crew jam featuring rising star vocalist and musician KESSWA, who has worked with Shigeto on previous releases and a 2022 MOCAD museum installation and lights up half of Cherry's ten tracks with her smooth, soulful delivery. Behind the kit, Saginaw provides the percussive punch (as well as synth and glockenspiel), surrounded by the personnel that has comprised his live band and Versions (GI-340, 2019) ensemble, including Ian Finkelstein, Dez Andrés, and later, Marcus Elliot.

The collaborative spirit that runs through Cherry Blossom Baby widens its range. Rapper Cleveland Thrasher brings raspy bars to the hypnotic "Runnup On'm" with harpist Ahya Simone, the trap/breakbeat-wielding "BookaMagick," and across the pop grooves of "Nothing Simple," where he bobs and weaves with producer/DJ Tammy Lakkis. Guitarist Sasha Kashperko riffs through several tracks, giving the material a loungier feel — "I've always wanted a great guitarist on my tracks," says Saginaw. Ahya Simone returns to elevate "Let's Talk" to the cosmos. Her harp parts represent a natural progression for the Shigeto sound; whereas in the past, he might have collaged string elements together, he leans back in the open space and lets it all flow organically.

Expanding on the title's metaphor, Shigeto is pushing forward with the people around him: "A cherry blossom is regrowing, but it's always different too, and I'm speaking to that with all the different musicians on this record, getting everyone involved and honoring their contributions is part of that cherry blossom philosophy.”

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CD!

* Japan styled CD edition with printed innersleeve, OBI and 36x36cm poster
* A legendary yet long lost crown jewel from the early 80s Japanese Electronic and Jazz Rock scene
* new powerful master, much appreciated by the artist


Mariah was a Japanese outfit in the field of art pop, way back in the very late 70s and early 80s with 5 albums up their score from 1980 to 1983. The album from 1979 entitled as “Mariah” was actually made before the band Mariah was formed, and was released as a solo album by Yasuaki Shimizu. The album at hand is the fifth and for the time being last album in this row, released as a double vinyl back in 1983. Original copies, that are at least in very good condition, are hard to find. The brand new reissue on Everland, unlike the original and the first vinyl reissue from 2015, comes housed in a thick and artfully designed gatefold sleeve with OBI, which finally does justice to the progressive spirit of the music you will find here.

The musical basement of Utakata No Hibi is a fusion of dreamy synthesizer pop and haunting new wave music, that could be found all around the globe back in 1983. In the vein of TEARS FOR FEARS or more adventurous DAVID BOWIE stuff, with a touch of KRAFTWERK or even BRIAN ENO here and there, but all this gets spiced up with an atmosphere of Japanese traditionalism, with a few bits and pieces from the old music from this Far East island, which sounds so magic to us Westeners. The progressive, wacky art pop of this project was led by the popular Japanese composer and musician Yasuaki Shimizu, a relentlessly exploratory saxophonist who even dared to rework Johann Sebastian Bach’s cello suites for saxophone.

As brilliant as this man is, the music on „Utakata No Hibi“ turns out to be. And the master himself approved and much appreciated the brandnew remastering of this album by assisting a highly professional team of sound engineers who dusted off the ancient tape reels. For certain the record sounds and feels 80s through and through, electronic to the very rhythmical bone of each song sugar coated with catchy melodies that resemble Japanese classic and Enka music, which is a kind of folksy pop music. The listener gets directly drawn into a feverish dream of steaming Far Eastern cities and their darkest and most depraved corners where you find everything cheap in sleazy bars and unlighted backyards and alleys. The next moment he strolls through a beautiful Japanese park surrounded by a sea of blossoms. This change in mood and style you will experience in the sparsely instrumented tune „Shisen“, which indeed comes closest to classic Japanese folk tunes without any too catchy and pop oriented melodies. But we certainly find these harmonies allover the album. Some tunes even feel like ancient BEACH BOYS compositions and Brian Wilson creations played by a then contemporary electronic pop act and sung in Japanese.

An amazingly colorful album with songs that are based on solid substance rather than cheap pop structures. This is music for the bold listeners and music lovers and this awesome reissue should quickly find it’s way into the record collections of 80s synth and art pop aficionadoes.

Yasuaki Shimizu did what he wanted with MARIAH, pushed the borders of popular music further than anybody would have thought. Listen to a track like „Shonen“ with a repetitive rhythm pattern that hypnotizes you and somehow silky melodylines by saxophone and synth piano upon which a female voice sings in a very spiritual way. Praising pop or whatever this can be called, it is sheer magic put in music. I wonder if this would have made it into the charts back then, but you never know. It is a piece of musical art that shall be listened to.

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